GIOTTO. EL PRENDIMIENTO

El prendimiento.

  El prendimiento es una de las obras más importantes de Giotto di Bondone. Giotto fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Y el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo. Su figura sirve de puente entre el espíritu medieval en el que se halla inmerso y ese otro mundo futuro del Renacimiento. A su vez, la historia de este pintor florentino se encuentra estrechamente vinculada a la vida de la Iglesia, y con ella al mecenazgo. La producción artística de fines de la Edad Media está marcada por el desarrollo de la obra por encargo. Ello se debió a la multiplicación de las cortes principescas y al surgimiento de una poderosa y rica burguesía, entre ellas la iglesia, que comenzó a imitar el estilo de vida de la alta aristocracia.

Surgió un verdadero mercado del arte y de los objetos de lujo, como la orfebrería y la tapicería. De esta manera, durante este período, los artistas, que por largo tiempo fueron sólo artesanos más dotados y mejor remunerados, adquirieron cierta reputación en cuanto a los príncipes y reyes

En definitiva, el capital fue la alianza existente entre los poderosos y los intelectuales. Fue en este ambiente, en la ciudad italiana de Padua, donde Giotto emprende con la obra de "El prendimiento", una pintura gótica pintada entre 1302 y 1305.

La pintura gótica evoluciona distinguiéndose en 4 fases: el gótico lineal, el itálico-gótico del Ducento y Trecento, el estilo internacional y el estilo flamenco.

"El prendimiento" se enmarca dentro del estilo itálico-gótico del Trecento. Este es un período de la historia del arte que sigue a la Edad Media en Italia. Su diferencia viene del hecho de que esta etapa desembocará en el principio del Renacimiento, lo que cambiará todo el panorama artístico europeo. Se desarrolla a lo largo de todo el siglo XIV, y se encuentra justo antes de la primera fase del movimiento conocido como Primero Renacimiento, o Quattrocento.

Giotto fue el encargado de realizar las pinturas de la Capilla Scrovegni de Padua, entre las que se encuentra "El prendimiento". Esta obra es un lienzo sobre tabla, realizado al temple y cuya temática es claramente religiosa, pues representa el beso de Judas en el monte de los Olivos tras traicionar a Jesús.

En la escena observamos cómo la Oración del Huerto es interrumpida por un grupo armado que, guiado por Judas, toma a Jesús.                                                                                          Giotto consigue crear el efecto de tumulto y confusión. 

El núcleo argumental destaca por la tensión que reflejan los protagonistas: Judas con su manto, de increíble tratamiento, rodea a Jesús y se le acerca  para delatarlo con un beso, el beso de la traición. Llama la atención la actitud de Cristo, recibiendo sereno el beso de Judas. "¿Con un beso entregas al Hijo del Hombre?" Su mirada es firme, no transmite temor ni odio, sino la entereza unida a la dulzura de quien ve perder a su amigo y discípulo. Las dos figuras se miran fijamente, convirtiéndose este hecho en el que más claramente ilustra el contenido del episodio.  A la izquierda, se presenta Pedro cortándole la oreja a Malco, mientras que fariseos y soldados con sus armas comienzan el enfrentamiento al fondo y a la derecha. El dinamismo que presentan estos grupos, muy dependientes en su composición de la tradición gótica, contrasta vivamente con el momento contenido de delante. Estas acciones no son más que un reflejo del dramatismo y tensión argumental presente en la escena. Este dramatismo los consiguió por el tratamiento tan expresivo que da a los gestos y actitudes de sus personajes, lo que indica una observación de la realidad, algo inusual de la época.

En cuanto a la técnica, la técnica utilizada es el óleo, esta permite superponer colores y enriquece la gama cromática. Así, los colores de esta obra son predominantemente intermedios o terciarios. Entre ellos el más destacable es el verde azulado, situado en el fondo de la imagen y en algún ropaje.

También podemos encontrar colores cálidos como el amarillo anaranjado en el manto de Judas, en las antorchas e incluso en las aureolas y colores rojos anaranjados, como el fuego de las antorchas y ropajes de soldados.

Por otro lado, rompe con los convencionalismos de estilos artísticos anteriores e introduce novedades pictóricas  que se observan en este cuadro:  

En primer lugar, desaparecen los fondos dorados en referencia a la luz como símbolo de divinidad. En la pintura de Giotto, la luz es conceptual, iluminado con un foco de luz artificial que da importancia a las prendas y los cuerpos. Además, el espacio refleja la Naturaleza. Introduce elementos ambientales y crea una auténtica idea del espacio, aunque la representación del paisaje sea todavía convencional como se aprecia en las formas angulosas y acartonadas de las montañas o el carácter escenográfico  de los encuadramientos arquitectónicos. En este espacio concreto las figuras adquieren  volumen a través del modelado, tienen peso, una realidad física y corpórea casi monumental y se mueven en el espacio.

Frente al carácter simbólico y narrativo del arte anterior, en su obra existe una nueva dimensión humana, un interés por la representación de los sentimientos, una indagación en los secretos del semblante humano. Algunas de sus escenas están dotadas de un dramatismo desconocido hasta entonces.  Son característicos en sus rostros los ojos de cierva, reflejo de la mirada dirigida al más allá. De este modo, su obra se caracteriza por una claridad expositiva y utilización de esquemas geométricos muy simples.

Giotto consigue crear efecto de volumen, coloca a los personajes de espaldas para crear un círculo y multiplicar los planos dando espacios. Además, su concepción volumétrica y monumental es la consecuencia de la importancia que da al dibujo y de la utilización de la luz que modela las figuras y matiza los colores creando efectos de claroscuro, como se puede apreciar en la capa de Judas.     Además introduce cuerpos de espalda , perfil o escorzos    

Asimismo, este pintor tenía una gran preocupación por la profundidad. Su obra está presidida por una preocupación espacial constante, que se refleja en los encuadramientos escenográficos de sus pinturas, unas veces conseguidos a base de arquitectura y otras, como en esta pintura, con árboles aislados que constituyen un paisaje esquemático: Giotto abandona los fondos planos e impone la modernidad en sus representaciones a través de marcos reales, que sirven como escenario a las figuras, que son los verdaderos protagonistas de las pinturas.

Otro avance importante es que observamos que Cristo y los demás personajes tienen la misma altura , luego ha desaparecido la jerarquía románica,  además se observan diferentes actitudes :  sorpresa, incredulidad... Por tanto ha desaparecido el estatismo y rigidez del románico y se muestran estados de ánimos individualizados. Aun así, mantiene ciertos aspectos de influencia bizantina: Rostros ovalados, nimbos dorados, ojos almendrados...        

 Es importante destacar que en esta obra se puede apreciar la importancia que tuvo Giotto a finales del Gótico y principios del Renacimiento: se aparta de la tradición del idealismo y se vuelve hacia la realidad. Además, estas aportaciones o novedades de Giotto abren el  camino hacia la pintura  del Quattrocento, influyendo en artistas como Masaccio  e incluso en Miguel Ángel. Y es que Giotto fue uno de los más grandes artistas de la pintura gótica. Tal era su talento, que el propio Giovanni Boccaccio le dedicó unos versos:

“El otro, llamado Giotto, tenía un espíritu tan sublime que entre todas las cosas que la madre naturaleza ha producido bajo la órbita del cielo, no había una sola que no hubiera reproducido con lápiz y pluma con tanta fidelidad que su obra no pareciera ser la imagen del objeto, sino el objeto en si, hasta el punto de que muchas veces en sus obras el sentido humano de la vista se equivocaba y consideraba que era real lo que solo estaba pintado”.

                          Nuria Andrés Moreno