EL NACIMIENTO DE VENUS.

El nacimiento de Venus es una obra pictórica del pintor italiano Sandro Botticelli de finales del siglo XV. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli nació en Florencia, el 1 de marzo de 14451 y murió allí mismo el 17 de mayo de 1510, perteneció a la tercera generación cuatrocentista, encabezada por Lorenzo de Médici el Magnífico y Angelo Poliziano. Procuraron la libertad de conducirse humanamente, recogida de la antigüedad clásica. El esplendor artístico alcanzado en la Florencia de fines del siglo XV, fue la Edad de Oro de Botticelli, sin embargo esta reputación disminuyó notablemente en los siglos siguientes, pero fue recuperada a finales del siglo XIX, desde entonces su obra se ha considerado exponente máximo de la pintura del primer Renacimiento. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Se expusieron por primera vez en la galería de los Uffizi, Florencia, en 1815.

El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. Este cuadro fue pintado entre 1482 y 1484.

El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte, concretamente se trata de “el nacimiento de la diosa Venus” (La nascita de Venere). Los aspectos más destacables de la obra es el resurgir del desnudo en la pintura, aunque esta vez, vemos a la figura de la mujer en esta situación. El desnudo es símbolo de la belleza, y es dentro de la mitología, el tema principal, un ideal inalcanzable, que pertenece al mundo de las ideas pero no al mundo real.

Las figuras que se aprecian están claramente idealizadas. En la imagen se observa a una Venus sobre una enorme concha, situada en el centro del cuadro, haciéndose protagonista, expresa unas maneras muy femeninas, delicadas, marca de fragilidad. Sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas, es la longitud del pelo junto con el impacto del viento sobre este, lo que crea una gran sensación de movimiento. Se observa en su figura un pronunciado contrapposto, lo que da cierto equilibrio a su posición. Además la figura de la Diosa parece como flotar. El canon no es muy alargado, de unas siete u ocho cabezas. Su concepción anatómica nos revela un alto grado de idealización (cuello demasiado largo y hombros demasiados estrechos).

La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho abrazo; ambos son dioses alados que crean el viento que empuja a la Venus a la playa y de los cuales provienen las flores que se arrojan a la Diosa. Se pinta muy bien la imagen del viento creado por el soplido de los dioses alados. En ellos el efecto del viento es palpable, las telas se les pegan al cuerpo, marcando los brazos y la forma de los mismos. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto rojizo decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también floreado. En esta figura femenina se observa la delicadeza del tratamiento de los pliegues del ropaje y de la tela roja antes mencionada provocados por el viento, que genera un gran movimiento y dinamismo a la composición. Se trata de la representación de la primavera, con un vestido blanco con flores.

Botticelli consigue figuras magníficas gracias al uso de los contornos con una línea oscura, siguiendo el modelo de una estatua clásica. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles, lo que refleja un marcado uso de la técnica de los paños mojados. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas.

Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza solitaria, acorde con la belleza de la diosa.

El fondo es un mar con oleaje, éste es más intenso según se acerca a la imagen de Venus. En un fondo que aporta profundidad a la escena, y el bosque que aparece a la derecha de la imagen crea una perspectiva y crea profundidad.

Es el dibujo lineal que se realiza en los contornos de las figuras y el paisaje, lo que ayuda a distinguir con nitidez la figura del fondo y a la vez la estiliza y suaviza, a su vez presenta un eje vertical. En general, la obra es bastante plana, pero representa adecuadamente los volúmenes.

La técnica del cuadro es el temple sobre lienzo, se aprecia una estructura piramidal, siendo el personaje central el que capta la atención. Los personajes son ligeros, esbeltos y sensuales, dando una sensación de ingravidez.

La luz del cuadro es uniforme en casi toda su superficie sin claroscuros.

En cuanto al color, podemos decir que tratamos con línea cromática de tonos fríos, a pesar de la tela roja de la Ninfa Primavera, utiliza sobretodo diferentes tonos de blancos y azules. La línea que crea Botticelli es una línea fluida.

La formación de Botticelli junto a Filippo Lippi tuvo una importante influencia en su obra de temática religiosa. Sin embargo, Botticelli tomará su propio camino marcado por la obsesión de plasmar en todo lo posible la belleza ideal, y por todo ello el naturalismo no fue una meta en su pintura. Fue un pintor influenciado por las teorías neoplatónicas.

                                                                              María José Lagunas y Vanessa Monge.